Parecidos

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Ciertamente se parecen, ¿no crees, querido lector?: Christopher Plummer (izquierda), el mítico y veterano actor de películas como Sonrisas y lágrimas (Robert Wise, 1965), y el joven, prometedor y gran actor Michael Fassbender (a la derecha, quien realmente ya ha dejado de ser prometedor para pasar a ser, con razón, alguien muy valorado), ganador de la Copa Volpi en la última Mostra de Venecia por Shame (de Steve McQueen, vista también en el pasado Zinemaldia), así como protagonista de la esperadísima A dangerous method de David Cronenberg (compartiendo cartel nada menos que con Viggo Mortensen y Keira Knightley), entre otras.

[Gracias Luigi]

A contraluz (III): The end

Última entrega de la trilogía A contraluz, de Eduardo Chapero-Jackson. Se trata de The end, donde vemos cómo el agua se ha convertido en un bien escaso por el que luchar, incluso por el que morir si hace falta. Esperemos que esto no acabe ocurriendo, aunque al paso que vamos, no sé qué me da que pronto sucederá. Esto es precisamente lo bueno que tiene este cortometraje (el planteamiento), en el que participa, por cierto de forma fugazmente y casi irreconocible, Miguel Ángel Silvestre (sí, ese mismo: el Duque), quien forma parte también del reparto del primer largometraje de Chapero-Jackson: Verbo (presentada en el recién terminado Zinemaldia)

Título: The end
Dirección: Eduardo Chapero-Jackson
Duración: 26:39 min.



Ver también:

A contraluz (I): Contracuerpo
A contraluz (II): Alumbramiento

 

Palmarés del Zinemaldia 2011

La 59 edición del Zinemaldia tenía un cambio importante en el asunto del palmarés: esta vez no hay rueda de prensa previa a la gala de clausura para dar a conocer los premiados, sino que se dicen en la propia gala, para mantener el suspense hasta el último minuto, si se puede.

Pocas veces ha ocurrido eso de que la crítica y el jurado del Zinemaldia coincidan. Cuando ocurre es una gozada, pero cuando no es así... es muy divertido observar las reacciones. En esta ocasión ha tocado, una vez más, lo segundo. Salvo algún que otro premio que ha gustado (cantado era el de la mejor actriz), lo demás ha acabado decepcionando.

En fin, he aquí el palmarés oficial del Zinemaldia 2011...

CONCHA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA
LOS PASOS DOBLES, Isaki Lacuesta (España-Suíza)

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO
LE SKYLAB, Julie Delpy (Francia)

CONCHA DE PLATA AL MEJOR DIRECTOR
FILIPPOS TSITOS, ADIKOS KOSMOS / UNFAIR WORLD (Grecia)

CONCHA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ
MARÍA LEÓN, LA VOZ DORMIDA (España)

CONCHA DE PLATA AL MEJOR ACTOR
ANTONIS KAFETZOPOULOS, ADIKOS KOSMOS / UNFAIR WORLD, (Grecia)

PREMIO DEL JURADO A LA MEJOR FOTOGRAFÍA
ULF BRANTÅS, HAPPY END (Suecia)

PREMIO DEL JURADO AL MEJOR GUIÓN
HIROKAZU KORE-EDA, KISEKI / I WISH (Japón)

La película Los pasos dobles es una que no aparecía en ninguna quiniela, de hecho es una de las que menos gustó en la Sección Oficial... A mí personalmente es una de las que menos me ha gustado , aunque tenía alguna cosa maja, pero no era ni de lejos favorita para ningún premio.

La unanimidad ha venido con María León, gran favorita desde el primer momento por La voz dormida. No habrá paz para los malvados no ha obtenido absolutamente nada, con lo que ha sido una de las grandes decepciones, ya que José Coronado era un claro favorito.

Hirokazu Kore-Eda, el grandísimo favorito para la Concha de Oro, se ha tenido que conformar con el premio al mejor guión por Kiseki, cosa que por la crítica ha sido aceptada bastante bien. Por lo menos se ha recompensado, no de la forma esperada, lo que muchos quisieron ver hace tres años con la anterior participación de Kore-Eda en Donosti, con su película Aruitemo, aruitemo (Still walking).

Por último, el director griego Filippos Tsitos evidentemente estaba radiante. La crítica cree que su premio es debido a la situación política y social que Grecia vive actualmente, para compensar simbólicamente al país, etc. Destaco una frase de Tsitos al respecto: No me malentendais. Hasta ahora en Grecia hacíamos películas con poco dinero. Ahora las hacemos sin dinero.

Otros premios paralelos son:

PREMIO DEL PÚBLICO
THE ARTIST, Michel Hazanavicius (Francia)

PREMIO PELÍCULA EUROPEA
ET MAINTENANT ON VA OÙ?, Nadine Labaki (Francia-Líbano-Italia-Egipto)

NUEVOS DIRECTORES

Premio KUTXA Nuevos Directores
THE RIVER USED TO BE A MAN / DER FLUSS WAR EINST EIN MENSCH, Jan Zabeil (Alemania)

MENCIÓN ESPECIAL
EMEK TIFERET / A BEAUTIFUL VALLEY, Hadar Friedlich (Israel-Francia)

MENCIÓN ESPECIAL
STILLLEBEN / STILL LIFE, Sebastian Meise (Austria)

HORIZONTES LATINOS

PREMIO HORIZONTES
LAS ACACIAS, Pablo Giorgelli (Argentina-España

MENCIÓN ESPECIAL
HISTORIAS QUE SÓ EXISTEM QUANDO LEMBRADAS, Julia Murat (Brasil-Argentina-Francia)

MENCIÓN ESPECIAL
MISS BALA, Gerardo Naranjo (México)

Zinemaldia 2011: Mis favoritos

Hoy se entregan los premios del Zinemaldia 2011. Veremos qué pasa este año. ¿Habrá polémicas? seguro que sí, eso no suele fallar. Este año hay un ligero cambio respecto a la tónica habitual de la lectura del palmarés. En vez de hacerse público a media tarde en rueda de prensa, será en la propia gala de clausura cuando comuniquen los premiados. Hasta ese momento, a esperar.

Yo por lo pronto tengo mis favoritos en la Sección Oficial a concurso. Son los siguientes...

Concha de Oro, mejor película 

Kiseki (Hirokazu Kore-Eda)

Concha de Plata, mejor dirección (dos opciones)

Terence Davies (por The deep blue sea)

Arturo Ripstein (por Las razones del corazón)

Concha de Plata, mejor actriz 

María León (por La voz dormida)

Concha de Plata, mejor actor 

José Coronado (por No habrá paz para los malvados)

Mejor fotografía 

11 flowers (Wang Xiaoshuai)

Mejor guión (dos opciones)

Take this waltz (Sarah Polley)

Kiseki

El artista del Cine mudo (The artist - Zinemaldi 2011)

Zabaltegi - Perlas

[PREMIO DEL PÚBLICO]

Un auténtico prodigio. Alabada en Cannes, donde obtuvo el premio al mejor actor para Jean Dujardin, esta película de Michel Hazanavicius se ha convertido desde el primer momento en un clásico con todas las de la ley.

¿Una película muda? ¿En blanco y negro? Esto ha provocado que bastante gente no se arriesgara a ver esta gozada. Ahora todo el mundo habla de ella y muchos se arrepienten de no haber tenido la oportunidad de verla. Pero la tendrán, porque si la cosa sigue bien, la película tendrá muy buen recorrido comercial.

En The artist se cuenta una historia muchas veces vista, pero en realidad eso es lo menos importante, siendo una historia de amor estupenda: vemos a George Valentin (Jean Dujardin), una estrella del cine mudo que en un momento dado ayuda a una joven (Bérénice Bejo) a acceder al mundillo cinematográfico, mientras poco a poco su propia estrella se va apagando, debido en parte a lo que ya se contaba (también de forma inolvidable) en Cantando bajo la lluvia, es decir el paso del cine mudo al sonoro.

La banda sonora es excepcional, así como alguna que otra coreografía de las que se ven. Por descontado, el trabajo de Jean Dujardin es insuperable. Su parecido físico con Gene Kelly evidentemente no es casual, su forma de gesticular está estudiadísima, emulando perfectamente a los actores de aquellas épocas. La actriz Bérénice Bejo no le anda a la zaga, es deliciosa y se nota también el gran trabajo que ha debido de tener para confeccionar su papel.

Algunos de los toques de la película, aquellos en los que se introduce sonido sin que el espectador se lo espere, también son altamente destacables, precisamente por ese factor sorpresa tan bien colocado. El reparto de la película también está compuesto por Malcolm McDowell, en un papel pequeñísimo, y con John Goodman en el papel de productor, que por cierto le va como anillo al dedo.

Resumiendo: Al igual que Ed Wood de Tim Burton, The artist es un homenaje al Cine imprescindible. Y ello en plena era del 3D y sus dichosas gafitas...

Un 9.

PD: El Premio del Público se lo ha arrebatado in extremis a Et maintenant oú va nou? de Nadine Labaki (que obtuvo en cada pase del Zinemaldi unas ovaciones impresionantes que duraban minutos y minutos), que ya el primer día obtuvo una nota que parecía imposible de superar...

Delicia finlandesa (Le Havre - Zinemaldia 2011)

Zabaltegi - Perlas

"Esto es una catástrofe. Lo llaman película porque estamos en un Festival de Cine... pero es una catástrofe". (Palabras del propio Aki Kaurismäki presentando su película en San Sebastián, en una introducción muy divertida, a su estilo)

La dueña de un bar a cuyo marido han metido en la cárcel, los clientes del bar hablando de mejillones y otros moluscos como si tal cosa, un comisario que siempre va de negro al que le gusta madrugar, el frutero y la pastelera del bario, un chaval negro sin papeles y un hombre que le ayuda, teniendo a su mujer enferma en el hospital. Todos esos personajes componen la galería de Le Havre, la nueva joya (con razón, una Perla) del finlandés Aki Kaurismäki, todo con la típica musiquilla bohemia francesa de fondo en El Havre, en la región francesa de Normandía.

El surrealismo en esta película está muy presente en sus diálogos, cosa que puede no gustar demasiado a según qué tipo de espectadores. Lo bueno es que entre frase y frase surrealista, Kaurismäki introduce otras que hacen que la historia avance, con sus ritmos tranquilitos, muy bien puestos, que no son más que un añadido que hace más divertidas si cabe algunas escenas.

La iluminación es algo fantástico, habitual en Kaurismäki: encuadres con la parte superior en penumbra y el resto iluminado, sin ningún efecto más, donde cada objeto de la escena tiene un color peculiar y único que es una fiesta para la vista.

Todos los actores están estupendos, incluido Little Bob, aquel que protagoniza una de las mini-historias más bonitas del film, para poder hacer posteriormente un concierto donde es la estrella. En realidad toda la película son mini-historias, con el hilo conductor del chico negro, donde en una pequeña conversación y en poquito rato ya se ha contado al espectador buena parte de la vida de alguno de los protagonistas con maestría.

Con el lema francés Liberté, egalité, fraternité (libertad, igualdad, fraternidad) llevado a muy buen puerto,la película rezuma amabilidad y buen rollo por los cuatro costados, siendo imposible no acabar de verla con una sonrisa en los labios. Incluso es inevitable encontrar ciertas similitudes en algún momento con la inolvidable Casablanca (sí sí, esa de Michael Curtiz de 1942, con aquel final tan mítico...)

Lo dicho: una joya.

Un 9.

PD: Jean-Pierre Leaud, el mítico actor que tanto trabajó con François Truffaut y protagonista de Los 400 golpes (primera colaboración entre ellos), hace un pequeño papel en la película.

El género de Vigalondo (Extraterrestre - Zinemaldia)

Zabaltegi - Especiales

Los cronocrímenes fue el primer largometraje de Nacho Vigalondo. En él se hablaba de viajes en el tiempo. Ahora ha presentado en el Zinemaldia Extraterrestre, y en la película se habla... pues eso, de extraterrestres. Otra cosa es que se vean...

Ayudado por unos intérpretes tremendamente carismáticos, como Raúl Cimas y Carlos Areces (de Muchachada Nui, entre otras cosas), o Michelle Jenner y Julián Villagrán, resulta que Nacho Vigalondo construye una historia sobre extraterrestres e infiltrados. Ahora bien, ¿quiénes son los extraterrestres realmente? ¿Hay que mirar al cielo o quizás a nosotros mismos, los seres humanos? Gran pregunta lanzada al aire...

Muchos de los elementos del genero están ahí (se nota muchísimo de dónde bebe Vigalondo), y además uno puede acordarse al verla de una película como Monsters, en la que lo que menos importaba (o casi) eran los monstruos. Lo que contaba de verdad era la relación entre los protagonistas, y eso mismo pasa en Extraterrestre. Además, con unos toques de comedia geniales, donde los protagonistas lo dan todo. Se nota que son cómicos, y de los buenos. Situaciones esperpénticas y surrealistas que por sí solas quizá no haya por dónde pillarlas pero que con los actores entregados, la diversión está asegurada.

El manejo de la cámara, casi todo en interiores, está muy bien llevado. Se diría que Vigalondo tenía muy claro qué rodar y cómo. Y es que claro, ha pasado ya tiempo desde Los cronocrímenes, con lo cual tiempo habrá tenido para pensar en ello.

En resumen: se trata de una comedia original y divertida, con la que sin duda los seguidores de Muchachada Nui disfrutarán (por los actores, algunos diálogos y algunas situaciones), pero también el resto de personas que quieran pasar un buen rato.

Un 8.

Los deseos del tren bala (Kiseki/Milagro - Zinemaldia 2011)

Sección Oficial a concurso

Reconozco que la anterior película de Hirokazu Kore-Eda, Aruitemo, aruitemo (Still walking) no me gustó, y eso que cuando se presentó en el Zinemaldia de 2008 fue una de las grandes favoritas de toda la crítica. Vale, quizá me haga falta un revisionado... pero no es cuestión de tratar eso aquí ahora. Hablemos de su nueva película, la que de momento es mi gran favoria para la Concha de Oro: Kiseki (Milagro).

Dos hermanos viven en ciudades de Japón diferentes debido a que sus padres se han separado. Uno de ellos comenta que cuando dos trenes bala se cruzan en sus trayectorias y pides un deseo, éste se cumple. Con ello, los hermanos acuerdan encontrarse en ese punto de los trenes junto a otros amigos suyos, para que sus deseos se hagan realidad. Comienza su aventura.

Una película amable, donde se ven muchos omentos cotidianos de la vida de todos los protagonistas, justificando porqué los niños quieren pedir sus deseos. Tierna, porque se les coge mucho cariño a estos niños, que están realmente bien por cierto, quienes en muchas ocasiones demuestran ser mucho más adultos y maduros que sus propios padres o tutores, incluso dando la impresión de que se llega a dar cierto cambio hacia la madurez en alguno de los niños.

Esta película logra con muchísima más precisión que la famosa Super 8 eso que tanto alaban de esta última: retrotraernos a aquellas épocas en las que un grupito de niños vivía una aventura genial, como ocurría en Los Goonies, E.T. el extraterrestre o Cuenta conmigo, por ejemplo. Viendo Kiseki un servidor se lo ha pasado infinitamente mejor que con el superéxito hollywoodiense de J.J. Abrams. Y todo ello sin efectos especiales y sin extraterrestres. Simplemente con una historia genial, simpática, y muy agradable.

Un 9.

Rachel Weisz, Tom Hiddleston y su breve encuentro (The deep blue sea - Zinemaldia 2011)

Sección Oficial - Competición

Nada más empezar The deep blue sea las referencias son clarísimas: Breve encuentro (David Lean), Carta de una desconocida (Max Ophüls), el melodrama clásico en general... El comienzo es la voz en off de una mujer redactando una carta de amor de despedida, de esas que tanto duelen. Y además, informa de que se va a suicidar. A partir de ahí, y tras situarnos en el Londres de posguerra (alrededor de 1950), asistimos a la historia de Hester (Rachel Weisz) y su vida amorosa tanto con su marido (Simon Russel Beale) como con su amante (Tom Hiddleston). Primero con una serie de flashbacks magníficos y luego ya continuando la historia desde lo que se ve al inicio.

Basada en la obra teatral de Terence Rattigan, una de las cosas que más se le puede reprochar al director Terence Davies (a quien el Zinemaldia dedicó una retrospectiva de toda su obra en 2008) es precisamente que la ambientación es demasiado teatral, prácticamente el cien por cien rodada en interiores, pero claro, muchos de los melodramas clásicos de los 40 y de los 50 son de este estilo, con lo cual yo lo acepto y de hecho me parece que es todo un acierto. En cuanto a la iluminación, es bastante oscura, llegando a cansar un poco (Terence Davies ha afirmado en rueda de prensa que no ha sido consciente de este aspecto) pero que teniendo en cuenta la historia de la película, es aceptable.

La historia en sí gira en torno al amor, a lo que se puede hacer por amor, que pueden ser cosas maravisollas, así como terribles. Amores no correspondidos, infidelidades, insatisfacciones maritales... Visto así, el tema parece idéntico al de Take this waltz, y en cierto modo lo es, pero evidentemente con una factura completamente deiferente.

Los actores están sensacionales: Rachel Weisz, Tom Hiddleston y Simon Russel Beale. La primera con una contención que sorprende, muy sobria; el segundo con ese porte británico, mezcla de elegancia y saber estar, aunque por dentro esté aguantando cierta humillación; y Simon Russel Beale, que también posee esa elegancia británica, capaz de lograr sin diálogos y con una sola mirada transmitir todo lo que necesita su personaje.

En resumen: una película de corte clásico, con un final quizá algo alargado, con unos tempos muy marcados, muchos silencios y miradas que lo dicen todo, y que sin duda encantará a los amantes del melodrama.

Un 7.

El vals de Sarah Polley (Zinemaldia 2011 - Take this waltz)

Sección Oficial a competición

Take this waltz (Sarah Polley) es una película de corte independiente que sigue muchos de los cánones de este tipo de cine, tanto en música, comoen formas de rodar, y también en historia: Una chica y un chico se topan por casualidad en un viaje y, también por casualidad, resulta que viven en el mismo barrio. Hay feeling entre ellos, pero también un problema: ella está casada, y además felizmente, o eso parece en un principio. Que se produzcan más encuentros entre ellos dos, será sin duda inevitable.

Sarah Polley no se complica mucho la vida a la hora de dirigir. Lo hace tan sencillamente que uno presta atención a los personajes, a sus historias, a sus miedos y a sus reflexiones. Sobre todo a sus miedos. Precisamente la chica protagonista, Margot (una fantástica y deliciosa Michelle Williams) reconoce tener miedo a tener miedo, lo que será el hilo conductor de la película, su tema central, demostrando sin género de dudas en muchos momentos que esta actriz está, como digo, genial.

Quizá la película tenga un epílogo que la alarga un poco molestamente, pero pronto el espectador se dará cuenta de que, aunque moleste, no es innecesario ya que con ello se acabará comprendiendo todavía mejor al personaje de Margot. Realmente, si la película careciera de este epílogo y hubiese acabado donde parece que va debía acabar, a pesar de quedar como un final genial, no dejaría de ser demasiado tópico del género (comedia romántica), así que casi mejor que exista esta parte final.

En conclusión, se trata de una película que se deja ver (y oír, ya que la selección musical, encabezada por Take this waltz de Leonard Cohen dando título al film, no es nada mala, muy del estilo del cine indie) muy bien, con buenos momentos de comedia y de drama. De hecho, respecto a esto último del drama, también hay que mencionar a Seth Rogen, en el papel del marido de Margot y a quien estamos acostumbrados a ver en papeles de comedia, de tontorrón simpático... pues en Take this waltz merece la pena ver su ambio de registro.

Un 7.

PD: Michelle Williams, de momento me parece seria candidata a a Concha de Plata a la mejor actriz.

No habrá paz para José Coronado (Zinemaldia 2011)

Sección Oficial - Competición

¿Quién dice que en el cine español no se hacen buenas películas? A las personas que lo mencionan hay que indicarles una nueva película española que contradice dicho comentario. Se trata de No habrá paz para los malvados, lo último de Enrique Urbizu, un director con una forma única de tratar el thriller (Todo por la pasta, La caja 507, por dos clarísimos ejemplos) que redondea con su nueva película, presentada en la primera jornada a competición del Zinemaldia, con una acogida excelente por parte de crítica y público.

Santos Trinidad es un cabronazo, mala gente, mezquino, ruin, un auténtico desgraciado en todos los sentidos de la palabra, lo peor de lo peor, alguien del que nunca te deberías fiar y de esas personas que si ves en un lado de la calle, lo mejor que puedes hacer es cambiar de lado… Santos Trinidad es un malvado.

Santos Trinidad es José Coronado, en el que es el papel de su vida. Un tipo que como bien dice el título, nunca tendrá paz, y lo que es peor, que tampoco moverá ni un dedo para que los demás la tengan.

En No habrá paz para los malvados se nos presenta desde el primer instante a este personaje principal, Santos Trinidad, liándola parda allá por donde pasa, que sin darse cuenta y por casualidad, los “negocios” en los que se ha metido son algo bastante más serio de lo que nadie pudiera pensar…

Sin temblarle el pulso, como es habitual en él, Enrique Urbizu maneja el cotarro espectacularmente, con una historia que engancha al espectador, una historia negra, al más puro estilo de este tipo de películas, sin tener nada que envidiar a cualquier producción americana por el estilo que llegue a nuestras pantallas. La película muestra en algunos momentos, con fidelidad aunque es una película ficticia, los preparativos de los atentados terroristas de Madrid el once de marzo de 2004. Con esa amenaza constante sobre la película y una atmósfera muy del género al que pertenece la película, los personajes van y vienen, investigando las conexiones, atando y desatando cabos… Eso es lo realmente importante, cómo Urbizu lleva al espectador por esa investigación y cómo Santos Trinidad quiere terminar un asuntillo que tiene pendiente, dejando al final sobre cada uno un poso de desasosiego, y quizá de inseguridad, importante. 

Como decía más arriba, José Coronado interpreta el papel de su vida. Es realmente impresionante cómo ha ido madurando este actor desde unos cuantos de sus anteriores papeles (televisivos o cinematográficos) a esta parte. Urbizu tiene mucha culpa de ello, claramente. Es la tercera vez que trabajan juntos (La caja 507, La vida mancha y esta No habrá paz para los malvados) y se nota la química entre ellos. Coronado sabía que tenía un verdadero caramelo en sus manos, y lo ha sabido aprovechar impresionantemente bien. Evidentemente puedo equivocarme, pero personalmente creo que este será el año de José Coronado y que habrá un antes y un después de esta interpretación en su carrera.

Hay que decir que el resto de actores (Helena Miquell, Juanjo Artero, Rodolfo Sancho) no están nada mal tampoco pero evidentemente no hay quien haga sombra a Coronado en esta película.

Una vez que comenzaron los títulos de crédito de la película, un servidor tiene un claro favorito para la Concha de Plata al mejor actor, y un serio aspirante al mejor director: Enrique Urbizu. Y eso que el Zinemaldia no ha hecho más que empezar…

Un 8.

Los intrusos de Fresnadillo (Intruders - Zinemaldia 2011)

Sección Oficial - Inauguración (Fuera de concurso)

Intruders, dirigida por Juan Carlos Fresnadillo e interpretada por los actores Clive Owen, Pilar López de Ayala, Daniel Brühl, Carice Van Houten y la niña Ella Purcell (todos ellos presentes en San Sebastián) ha inaugurado de forma un tanto fría por parte de la crítica y la prensa el Zinemaldia. El público la ha acogido muy bien, con muchos aplausos, pero como digo, la prensa no se ha entusiasmado con el nuevo film del canario, siendo los aplausos más bien tímidos en el pase de prensa.

¿Qué cuenta Intruders? Como bien se avanzaba en los trailers y clips vistos en semanas anteriores, es una historia de monstruos y fantasmas: un niño, una niña, y su padre viven aterrorizados por las pesadillas que un monstruo sin rostro (Carahueca) les produce. Como toda buena historia de este estilo que se precie, la gracia está en que el monstruo intenta acceder al mundo real (¿o quizá ya está en él?), traspasando las pesadillas de cada uno…

La historia versa sobre miedos familiares, o mejor dicho, miedos en familia, haciendo ver en algunos momentos que incluso alguien de tu propio entorno familiar es a quien se puede ver como un intruso. Esta es una de las grandes bazas de la película, y Fresnadillo sabe jugarla muy bien, tiene cierto “toque de la casa”.

La película va directa al grano: se muestra ya desde la primera secuencia a qué hay que tener miedo y por dónde vienen los monstruos (habrá que esperar hasta el final de la película para saber de dónde vienen). Después de la presentación de los personajes, la trama se diluye un poco haciéndose algo repetitiva, sin llegar a ningún punto concreto y sin avanzar gran cosa, deseando que se dé algún dato nuevo para que el espectador se mantenga en suspense sobre qué está ocurriendo. Eso no ocurre, como decía, hasta la parte final, que es donde el nivel de la historia sube, desvelándose por fin los misterios que durante tanto tiempo se han mantenido ocultos. Y en general yo diría que lo hace de forma satisfactoria.

Respecto a cómo rueda Fresnadillo, hay que decir que es destacable su forma. Así como alguna película suya (28 semanas después, por ejemplo) era un constante ir y venir de la cámara, con mucho movimiento, en Intruders hay muy pocos momentos de volver loco al personal. Se nota que el director tenía bien claro qué quería rodar, y sobre todo cómo, además de saber por dónde quería llevar al espectador, por qué vericuetos hasta la resolución final.

Hay algunas secuencias en las que las referencias a otras películas son evidentes, como es el caso de El exorcista (atención a Héctor Alterio, cuya presentación en el film personalmente diré que es el plano que más me ha gustado), y cómo no, al cine de M. Night Shyamalan, cuyo aire se respira durante buena parte del metraje (hay incluso una escena con el niño metido en la cama y la manta hasta el cuello, hablando con un adulto sentado a su vera…).

Los actores no es que destaquen especialmente, la verdad sea dicha, simplemente se dejan llevar y manejar por las manos de Fresnadillo, ya que lo que cuenta es la historia, el suspense de los fantasmas que acechan, la familia, como ya se ha comentado más arriba, y el terror generacional… Otra cosa a destacar es la música de Roque Baños, con el que me ocurrió lo mismo que con La piel que habito y Alberto Iglesias, es decir, que durante la película no me estaba llamando demasiado la atención (casi parecía una banda sonora al uso de thriller o de película de miedo), pero es en los títulos de crédito finales donde por fin se pueden escuchar buenos cortes de la banda sonora y uno puede disfrutar del trabajo de otro de los grandes músicos de este país (Juan Carlos Fresnadillo confesó que para él, Roque Baños había sido el gran descubrimiento de la película).

En resumen, una película que se deja ver, con algún altibajo que otro pero que la parte final hace que el conjunto mejore. Y eso siempre que uno se deje llevar, claro, porque hay gente que dice haber descubierto qué sucedía prácticamente desde el principio…

Un 6.

Zinemaldia 2011: Todo empieza

Hoy se inaugura el 59 Zinemaldia, el Festival Internacional de Cine de Donostia-San Sebastián, y lo hará, como ya se dijo en su momento, por todo lo alto, con un gran estreno en nuestro país y que recientemente ha recibido muy buenas críticas en el Festival de Toronto: Intruders de Juan Carlos Fresnadillo. El director y todo su equipo artístico protagonista (Clive Owen, Daniel Brühl, Carice Van Houten, Pilar López de Ayala) estará en San Sebastián para la presentación, con lo cual se ve que se quiere empezar con muy buen pie.

Pero evidentemente no sólo de la película inaugural vive un festival de Cine. Hay una Sección Oficial competitiva, de la que también se adelantaron la gran mayoría de títulos. A aquellos hay que sumar los dos últimos que se hicieron públicos: nada menos que Amen, lo último de Kim Ki-Duk, cuyo estreno será a nivel mundial (cómo les gusta decir estas cosas), que promete ser una nueva experiencia del espectador al tratar la película sobre una mujer coreana que se encuentra varias veces con un hombre que la persigue. También estará compitiendo la película Rampart (Oren Moverman), un drama protagonizado por un elenco impresionante de actores y actrices: Woody Harrelson, Robin Wright, Steve Buscemi, Ben Foster, Sigourney Weaver, Anne Heche... La película está basada en una novela de James Ellroy (de quien ya se han hecho varias adaptaciones de sus obras, la más conocida quizá sea L.A. Confidential).

Asimismo, las Perlas de Zabaltegi también tienen tres nuevos títulos, que han sido exhibidos en la Mostra de Venecia: Life Without Principle (Johnnie To), L'Envahisseur (Nicholas Provost) y Shame (Steve McQueen), con el actor del momento al haberse llevado la Coppa Volpi de Venecia: Michael Fassbender (quien ya trabajó con el director en su ópera prima, Hunger, que fue también presentada en Zabaltegi en 2008).

Respecto a sesiones especiales en Zabaltegi, también han completado su programación con más títulos interesantes, entre las que destacan el estreno en Europa del nuevo documental de Martin Scorsese sobre la figura del Beatle George Harrison, titulado George Harrison: living in the material world; un capítulo de Hirokazu Kore-Eda titulado Nochi No Hi (The days after) , realizado para una serie de corte fantástico llamada Kaidan Horror Classics, y por último una nueva incursión de Jonathan Demme en el mundo de Neil Young, con su película Neil Young Journeys donde Demme grabó los dos últimos conciertos de la gira del músico.

Otro estreno importante se producirá en el Velódromo de Anoeta y su pantalla gigante con capacidad para unas tres mil personas (Oliver Stone, quien ya ha estrenado varias películas suyas ahí, definió al Velódromo como "la mejor sala de cine del mundo"), donde se proyectará la nueva versión de Los tres mosqueteros, en 3D, que en salas comerciales lo hará a finales de mes. En el Velódromo también se hará una proyección especial de Verbo, de Eduardo Chapero-Jackson, y en el maratón de clausura, una versión restaurada del Viaje a la Luna, de George Meliès.

Los tres mosqueteros (Paul W. S. Anderson)

De momento no se sabe si para Los tres mosqueteros vendrá su director (Paul W. S. Anderson) o alguno de sus protagonistas (Milla Jovovich, Orlando Bloom, Christoph Waltz...) a presentarla, pero sí se sabe de otras presencias que estarán en la ciudad para promocionar sus diferentes películas. Es el caso de los ya comentados de Intruders, también de los directores de las películas de Sección Oficial (Sarah Polley, Julie Delpy, Kim Ki-Duk, etc), los españoles José Coronado, Miguel Ángel Silvestre y Antonio Banderas (que presentará en exclusiva un avance de veinte minutos de la película animada El gato con botas), Catherine Deneuve y Anouk Aimée (para presentar el ciclo de Jacques Demy), y el actor del que últimamente casi todo el mundo habla: Michael Fassbender, quien estará con el director de Shame, Steve McQueen... 

 Shame (Steve McQueen)

El jurado de la Sección Oficial estará presidido por Frances McDormand y le acompañan el guionista Guillermo Arriaga, Alex de la Iglesia, Bent Hammer (director), Bai Ling (actriz), Sophie Maintigneux (directora de fotografía) y Sophie Okonedo (actriz), .Y cómo no, ¡el Premio Donostia para Glenn Close!

Buenas y grandes presencias, que secundan una selección de películas realmente interesante que el público y mucha gente más está deseando ver... No puedo dejar de decir una magnífica frase que acuñó uno de los anteriores directores del Zinemaldia, Diego Galán...

¡Que cada uno encuentre su película!

La piel que habito: Perverso Pedro

Retorcido y perverso.

Esos dos adjetivos quizá sean los que más se escuchan cuando uno comenta la última película de Almodóvar, La piel que habito, a la salida del cine. Sin duda es simplificar mucho este nuevo trabajo del manchego, pero está claro que es algo que lo identifica perfectamente, pues quizá nadie podría esperar una historia así, de este calibre y con los toques oscuros que tiene, viniendo de quien viene.

Ahora bien, ¿por qué no? Es cierto que Pedro Almodóvar tiene un cine perfectamente identificable, con una línea muy definida, pero no deja de ser un creador que con cada película suya deja claro que tiene inquietudes, que le gusta contar historias, sus historias. Evidentemente y al igual que ocurre con otros grandes autores (como es el caso de Woody Allen, con su frecuencia de una película por año), no todo lo que hace va a ser una joya y tiene altibajos. Debe tenerlos (un ejemplo muy reciente es su anterior película, Los abrazos rotos, un producto que por mucho amor al Cine que contenga, se queda en algo bastante aburrido). Aun así, La piel que habito es según un servidor lo mejor de Almodóvar desde Hable con ella (2002).

Pedro Almodóvar se basa libremente en la novela Tarántula de Thierry Jonquet para componer la historia de un mad doctor o científico loco al que encarna Antonio Banderas, obsesionado con la cirugía plástica, que es a lo que se dedica. Utiliza a Vera (Elena Anaya) o mejor dicho su cuerpo, para realizar sus experimentos, mientras que Marilia (Marisa Paredes), quien adora al personaje de Banderas, ayuda como asistenta en las labores de la casa. No diré más sobre el argumento (lo he simplificado muchísimo) ya que es muy fácil caer en la tentación de desvelar sus claves, pero evidentemente según va transcurriendo la película muchas de las cosas que son un misterio y que de buenas a primeras impactan en en el espectador, se van aclarando. Y además, sin dejar de impactar.

Eso que se llama el universo Almodóvar está presente, no podía ser de otra forma, en muchos de los elementos del film: los colores, la iluminación y la fotografía (de José Luis Alcaine, uno de los directores de fotografía más prestigiosos de nuestro país y que ya ha trabajado con Almodóvar en varias ocasiones), la cotidianeidad de algunos elementos que se encuentran en la mansión de Banderas, la forma de mover la cámara (tranquila, siguiendo al actor o actriz), sus encuadres, y por supuesto ciertos diálogos con el peculiar sentido del humor almodovariano, presente a pesar de lo turbio de la trama general. Todo ello acompañado por la banda sonora del maestro Alberto Iglesias, que si bien es verdad que durante la película no me estaba pareciendo algo realmente destacable, al final, y ya en los títulos de crédito, es donde despliega todo su buen hacer y uno comprueba, con gusto una vez más, porqué el compositor es uno de los más grandes a nivel mundial.

Antonio Banderas vuelve a trabajar con Almodóvar después de más de veinte años (su última colaboración fue en ¡Átame! en 1989) y lo hace de forma muy comedida, sin convertir a su personaje en un loco histriónico, sin pasarse de rosca, cosa que habría sido muy fácil lograr, siendo el personaje que es. Pero no. Banderas está muy bien, supongo que el trabajo con el director, quien seguro le dio unas buenas pautas a seguir, ha sido fundamental. Por otro lado Elena Anaya no le anda a la zaga. Su belleza es idónea para hacer ver al espectador que encarna perfectamente aquello que desea el doctor (y porqué no, también muchos espectadores), con algún que otro momento de puro duelo interpretativo con su partenaire. En cuanto a Marisa Paredes, es un buen acompañamiento para la pareja protagonista, ayudando a conocer un poco mejor al doctor y sus circunstancias.

Retorcido y perverso, sí. Muy Almodóvar, también.

Un 8.

A continuación, otros carteles de la película (cuyo diseño es de MoCaro y que son mucho más interesantes que el que finalmente ha quedado para España, pero que evidentemente podían no llevar a una buena parte de público al cine, confundiendo al personal pensando que la película es una nueva entrega de lo que se llama torture-porn al estilo de Saw). Como con el resto de imágenes de esta entrada, haz clic sobre ellos si deseas verlos ampliados.

Jacques Demy, por partes

Un festival de cine no sólo consiste en ver lo último de lo último en cuanto a producciones, o en saber el grado de glamour que habrá sobre las baldosas de la ciudad, sino que también es una oportunidad excelente de descubrir ciertos autores que, por la razón que sea, uno no ha podido tener acceso a sus películas. En la 59 edición del Zinemaldia toca hablar, según esto, del director francés Jacques Demy (1931-1990).
 
Hace unos días, al hilo de la completa retrospectiva que el Zinemaldia dedicará a Demy y debido a mi nulo conocimiento de su obra, me asaltó la duda sobre qué películas podrían considerarse recomendables de su filmografía, para intentar saber más sobre este director. Es por ello por lo que le comenté esto mismo a Zigor Etxebeste, quien es uno de los colaboradores del libro (coordinado por Quim Casas) que el Festival de Cine de San Sebastián publicará sobre el realizador, junto a otros nombres como Santiago Aguilar, Jordi Batlle, Jean-Pierre Berthomé, Felipe Cabrerizo, Roberto Cueto, Violeta Kovacsis, José María Latorre, Carlos Losilla, Michel Marie, Inma Merino, José Enrique Monterde, Ángel Quintana, Esteve Riambau, Jonathan Rosenbaum, Sergi Sánchez y Nuria Vidal.

La respuesta de monsieur Etxebeste viene a continuación, no limitándose a hacer simples recomendaciones sino a hacer un recorrido por las películas de Demy, como quien dice, en cuatro palabras. Si tú, lector, al igual que yo, no conoces al director, ya tienes aquí unas buenas bases para poder disfrutar (o no) de su cine:

Jacques Demy

Demy, por partes

- De los cortos, el que más curiosidad puede crear es el episodio de La luxure, aunque Le sabotier du val de Loire y Ars son documentales muy del estilo Bresson y merecen la pena.

- Largos:

1- Evidente que es imprescindible no perderse el díptico "Paraguas" (Los paraguas de Cherburgo) y "Señoritas" (Las señoritas de Rochefort), y hasta Lola se puede unir al club (entonces sería un tríptico o un trío, no sé). Incluso creo que puede haber un karaoke espontáneo en alguno de los pases y todo... Un servidor se apunta (¡ejem!).

2- La bahía de los ángeles está bien, más cerca de la Nouvelle Vague, con una Jeanne Moreau que enamora (¡de rubia platino!) y destroza ruletas... y algún corazón.

3- Los cuentos de Piel de asno y The Pied Piper se complementan, sobre todo por la decoración y el vestuario, que en ambos es una auténtica pasada, colores vivísimos, estética hippy-pop-psicotrónica,...

4- Model shop, experimento en USA que recupera a la Lola de su primer filme, aunque todo está tildado de un ambiente, por así decir, nihilista y casi resignado (Vietnam de fondo y todo ocurre en un día). Eso sí, colores a go-go. Descubrimiento (incluido el del grupo progresivo Spirit)

5- La del embarazo de Mastroiani (¡menudo título en castellano!) es graciosilla. [Refiriéndose a L'Événement le plus important depuis que l'homme a marché sur la lune (No te puedes fiar ni de la cigüeña)]

6- Lady Oscar sí merece la pena, sobre todo por la ambientación, aunque podía haberle sacado algo más de jugo al asunto. Ojo a la secuencia que anuncia el 14 de julio de 1789, muy conseguida.

7- Y llegamos a sus obras finales de los 80. Une chambre en ville es también como Los paraguas de Cherburgo, toda cantada, pero el ambiente (huelgas en Nantes de 1955), llena el espacio fílmico de lucha obrera, pero llena de encanto y cómo no en Demy, de líos amorosos estruendosos.

Parking: Demy estuvo a punto de dejar el cine por el resultado de esta peli, y cuando uno la ve, no es para tanto, pero el actor que interpreta a Orfeo canta, voy a ser suave, de p... culo. Es lo que tiene no controlar totalmente tu obra. Aunque la revisitación del mito orfeico es sorprendente.

Trois places pour le 26 interesa por el homenaje que se le hace a Montand (canciones chulas), pero lo más interesante es cómo Demy se las arregla siempre para crear un ambiente de fatalidad romántica que hace encajar a la perfección sus piezas. Los colores otra vez, llamativos y vistosos.

8- De La table tournante, te podría decir que puedes leer el libro del festival, pero te la recomiendo si quieres descubrir a un tipo que yo empiezo a vislumbrar como genio de la animación, Paul Grimault. En algún medio he leído que fue Grimault el que rodó esta peli. ¡NO! craso error. Es una producción al alimón entre Grimault y Demy, donde se repasa de forma original casi toda la obra del primero, maestro a descubrir de la animación francesa.

9- Y de las pelis de (Agnès) Varda sobre todo merece la pena Jacquot de Nantes, una aproximación muy original y creativa de la infancia de Demy, con inteligente mezcla entre realidad y ficción.

[Eskerrik asko Zigor informazioagatik]

[En Donostia estarán Agnès Varda, quien fuera mujer del director y a su vez directora de documentales, y su hijo Mathieu Demy (que también competirá en la Sección Oficial con su primer largometraje, Americano), y Rosalie Varda (diseñadora de vestuario en algunas películas de Demy) encargados de presentar el ciclo que aquí nos ha ocupado] 

[Información sobre la retrospectiva: Web del Zinemaldia]

Cartel de la retrospectiva

 

A contraluz (II): Alumbramiento

Segunda entrega de la trilogía A contraluz, de Eduardo Chapero-Jackson. Se trata de Alumbramineto, cortometraje también con unos cuantos premios, quizá algo más intimista que su predecesor (Contracuerpo), pero con una atmósfera también angustiosa, característica del director que incluye cierto mensaje que podrá comprobarse al acabar su visionado.

[Próximamente en ¡A txiflar! la última entrega de la trilogía]

Título: Alumbramiento
Dirección: Eduardo Chapero-Jackson
Duración: 16:44 min.